Уроки рисования для детей: нетрадиционная техника пуантилизм с помощью ватных палочек

Контрасты в композиции.

Важную роль в построении композиции картины играют сопоставления и контрасты. Выразительность композиции усиливается, если она строится на сопоставлении большого и малого, динамичного и неподвижного, яркого по цвету и сдержанного, красивого и уродливого, доброго и злого и т. д.. О значении сопоставлений и контрастов говорил еще Леонардо да Винчи, подчеркивая, что в исторических сюжетах следует смешивать по соседству прямые противоположности, чтобы в сопоставлении усилить одно другим.


В самых разнообразных картинах великих художников можно найти множество сопоставлений такого рода. В «Отказе от исповеди» И. Репина образ мужественного, убежденного в своих взглядах революционера контрастирует с образом равнодушного священника. В «Боярыне Морозовой» В. Сурикова рядом с трагическим лицом раскольницы помещена злорадно посмеивающаяся физиономия возницы, и тут же недалеко голова мальчика, который глуповато смеется. В картине Сурикова «Меншиков в Березове» композиционный контраст составляют огромная фигура Меншикова и низкий потолок избы, благодаря чему создается впечатление, что неукротимой фигуре Меншикова в этой комнате тесно, как в клетке. В картине контрастируют между собой и одежды сестер: расшитая золотом шубка Александры и черное одеяние Марии дают почувствовать различие их характеров. В картине В. Серова «Петр Первый» величественности и беспрепятственному движению Петра противопоставлен робкий шаг не поспевающей за ним свиты. Согнутые фигуры хорошо усиливают впечатление неукротимой энергии Петра.

Женщина в шляпе (1905)

На 1905–1906 года пришёлся пик творчества Матисса в стиле фовизма. Смелое сочетание ярких цветов в те времена воспринимались как уродство и что-то несуразное. Особенно негативную реакцию вызвало у публики полотно «Женщина в шляпе». Его назвали «дикостью», по-французски fauve, от чего и произошло название течения — фовизм.

Если вспомнить, как публика принимала первых импрессионистов, то реакция на фовизм была ожидаемой. Публика негодовала, а художники нашли в этом направлении новую свежую струю.

«Женщина в шляпе» — неординарный, по мнению редакции most-beautyt.ru, женский портрет. На зелёном фоне зелёное асимметричное женское лицо смотрит на зрителей вполоборота — абсолютно не человеческий облик. Но художник видел образ по-своему и изобразил его без соблюдения правил и канонов.

4

Возникновение стиля и теория цвета

Техника пуантилизма в живописи — это не просто хаотичное нанесение цветных точек. Каждая из них занимает свое строго определенное место. Например, синяя должна быть рядом с желтой, красная — с зеленой. Потому что, согласно цветовой теории, из точек двух разных цветов, находящихся рядом друг с другом, человеческий глаз сам смешивает третий цвет. Желтые и синие точки, располагающиеся рядом, смешавшись на сетчатке глаза, покажутся нам зеленым цветом. Первым, кто стал применять эти особенности на практике, был французский художник Жорж-Пьер Сера.

Ему стало тесно в рамках импрессионизма после того, как он стал изучать научные изыскания Эжена Шевреля, Германа Гельмгольца, Огдена Руда. В своих научных трудах они писали о восприятии цвета сетчаткой глаза, о световых спектрах, о цветообразовании. Находясь под их влиянием, он решил произвести своего рода революцию в изобразительном творчестве, основываясь на теории смешения цветов. Ее суть в том, что есть три основных адаптивных цвета — красный, зеленый и синий, смешивая которые, можно получить любой воспринимаемый человеческим глазом оттенок.

3. Сделайте набросок

Шаг 1

Нарисуйте голову, наметив все детали для глаз, носа, рта, линии волос и т. д.

Если у вас нет большого опыта рисования портретов, отличный способ обойти этот шаг — распечатать портрет, который вы рисуете, размера рисунка. Затем обведите его на солнечном окне . Возьмите свою бумагу для рисования и наклейте ее поверх распечатки. Затем обведите контур лица и детали глаз, носа, рта, волос и т. д. Когда вы закончите, отделите рисунок от фото. Вуаля! Вы нарисовали голову!

Шаг 2

Теперь у нас есть наброски, пришло время превратить его в рисунок. Также как раскраски по номерам превращали нас всех в Ван Гога в детстве, это сделает вашу работу намного легче. Так посмотрите на фотографию и определите, какие области самые темные. Нарисуйте форму этой черной области на рисунке. Если хотите, вы даже можете подписать его номер #10. Затем перейдите в шкалу значений по шкале значений (или по функции, если это проще для вашего разума) и расчертите области с соответствующими номерами (если хотите).

Формат холста и размер изображения

Важной задачей композиционного построения картины является выбор формата холста (его размер и пропорции сторон) и величины самого изображения. Задуманное изображение хорошо размещается далеко не в любом размере холста, а различные формы картинной плоскости могут придавать изображаемым объектам разный характер

Круглый формат холста придает картине спокойную завершенность. Овальный портрет хорошо сочетается с округлостью лица и придает изображаемому человеку мягкость и женственность.


В изображениях мужа и жены Ривьер художник Энгр поместил портрет госпожи Ривьер в овальном обрамлении. Портрет супруга художник изобразил на прямоугольном холсте, с которым гораздо лучше вяжется более Твердый и жесткий силуэт этой фигуры.

Вытянутый вверх прямоугольный формат повышает монументальное впечатление от изображения. Чрезмерно вытянутый по горизонтали прямоугольный холст сковывает и принижает изображаемый объект. «Демон» М. Врубеля изображен именно на таком формате. Портреты В. Серова исключительно разнообразны по форматам полотен. Для каждого портретируемого человека он находил соответствующий формат.

Размер картины, разумеется, тоже зависит от ее содержания. Не каждый сюжет можно втиснуть в рамки малого холста или чрезмерно его увеличить. Для каждого сюжета должен быть найден подходящий размер. Сюжеты эпические требуют для своего выражения более крупных размеров холста, чем сюжеты бытовые. Несоответствие формата содержанию может сказаться отрицательным образом на раскрытии замысла.

Для композиции картины, для выделения сюжетного центра имеет большое значение величина самого изображения на плоскости холста. Крупное изображение всегда выступает из картинной плоскости, из того пространства, которое воображается за плоскостью холста. Слишком мелкое изображение далеко отступает за картинную плоскость, кажется второстепенной частью плоскости холста или бумаги. Удачная композиция получается в том случае, когда у зрителя не возникает желания раздвинуть или уменьшить края холста, изменить его масштабность.

Красная студия (1911)

Эмоции — вот что главное в изображении художественной студии. Глубокий красный цвет моментально выделяет это полотно и заставляет сосредоточиться на его рассмотрении. Стены, пол и потолок сливаются воедино, и лишь тонкие жёлтые линии подсказывают, где происходит переход от горизонтали к вертикали. В студии мебель и незначимые вещи также нарисованы схематично.

Это интерьер студии художника. Его можно разглядывать долго и это увлекает. В левой части полотна расположен стол, на котором стоит бокал, ваза с цветами, коробка пастели и тарелка. На стенах висят узнаваемые работы художника. Они яркие и являются картинами в картине. Простота и схематичность делают интерьер интересным и динамичным.

9

Перечень материалов для написания абстрактной картины

Для работы понадобится холст (на этот раз можно взять и холст на картоне), я использовала холст 50 х 60 см, но думаю здесь можно использовать как значительно меньший формат, так и наоборот очень большой.

Рисовать сегодня мы будем акриловыми красками. Для создания такого сюжета понадобятся

следующие краски:

  • черный;
  • белила титановые;
  • красный;
  • коричневый ван дик;
  • синий цирулеум;
  • синий прусский;
  • фиолетовый;
  • желтый неаполитанский;

декоративные акриловые краски:

  • золото;
  • хамелеон;
  • графит;

и, как обычно:

  • баночка с водой,
  • пульверизатор,
  • кисти, большая плоская и тонкая круглая №2-3,
  • гигиенические палочки.

Это картина, морской мир

Художники-пуантилисты

Именно Синьяк довел теорию до абсолюта и рассказал миру о том, что такое пуантилизм в живописи. Картинки-репродукции его работ появлялись в журналах и на открытках, так как были очень декоративными и необычными. Синьяк не только писал и в своих полотнах доводил пуантилизм до совершенства, но и создал серьезную теоретическую работу «От Эжена Делакруа до неоимпрессионизма», которая стала своеобразным учебником для художников этого направления. Художник преимущественно занимался написанием пейзажей, и точечная техника позволяет ему достичь невероятной атмосферности и воздушности. Также Синьяк экспериментировал в графике и в черно-белой живописи

Успех и необычный эффект работ в стиле пуантилизма привлек внимание и других выдающихся живописцев. В точечной технике работал в конце жизни Камиль Писсарро, пробовал свои силы в этой технике В

Ван Гог. Известными пуантилистами стали Ш. Ангран, М. Люс, Т. ван Рейссельберге, А. Ложе, А. Э. Кросс. Этот стиль не утратил своей актуальности и доныне. Но такого массового пуантилизма, как на рубеже 19 и 20 веков уже не было. Самыми известными современными пуантилистами считаются Бенджамин Лаадинг и Мигель Эндара.

Голубая обнажённая I и Голубая обнажённая II (1952)

В конце жизни Матисс увлекался различными техниками. Его привлекал коллаж, аппликация и декупаж. Он брал листы бумаги, окрашивал их гуашью различных цветов, а потом вырезал фигуры для своих работ.

Серия картин «Голубая обнажённая» была создана в 1952 году. Вырезанная из синей бумаги лаконичная женская фигура с запрокинутыми руками и скрещенными ногами имеет несколько вариаций.

Фигура, наклеенная на белом фоне, смотрится очень гармонично. Это скорее не рисунок, а двухмерное изображение изысканной скульптуры. Чтобы изобразить эту удивительную гармонию, Матисс проделал титанический труд. На поиски формы и цвета ушло немало времени, пока было найдено их идеальное сочетание.

11

4. Начните с средних значений

На самом деле начать рисовать ваш первый портрет может быть пугающим. Не волнуйтесь. Мы будем делать это медленно.

Шаг 1

Выберите большую область, которая находится в диапазоне #4 — #6, на шкале значений, и начните раскрашивать ее до соответствующего значения. Ставьте точки в области до краев линий, которые вы нарисовали карандашом. Это было не так трудно сейчас, правда?

Шаг 2

Продолжайте раскрашивать другие большие области, которые попадают в диапазон значений #4 — #6. Раскрашивая области в этом диапазоне, вы закрашиваете последовательно и без усилий. Кончик вашего пера должен едва касаться бумаги. Вам не нужно прилагать усилия, чтобы оставить чернила на бумаге. Если вы слишком сильно нажимаете или, кажется, делаете много шума, вы можете повредить кончик пера. Продолжайте заполнять области #4 — #6, но избегайте таких подробных областей, как глаза. Мы вернемся к этому позже.

1. Создайте шкалу цвета

Шаг 1

Прежде чем мы начнем наш портрет, мы собираемся создать шкалу цвета, чтобы сделать процесс штриховки намного проще. Шкала цвета — это шкала градации из 10 квадратов, которые идут от белого к черному. Это поможет вам увидеть диапазон цветов вашего пера. Итак, давайте начнем с рисования прямоугольника 1см в высоту и 10 см в длину и разделим его на 10 равных квадратов.

Шаг 2


Когда вы создаете свою первую шкалу значений, легче работать от светлого к темному. Начните с поля слева и пронумеруйте от 1 до 10. Затем, оставляя поле №1 чисто белым, начните ставить несколько точек в поле №2. Если вы прищуритесь, вы должны заметить очень светло-серый цвет в этом поле.

Шаг 3

Медленно начинайте работать с остальной частью шкалы, работая темнее и темнее, пока не дойдете до ячейки № 10, которая должна быть сплошным черным. десь я обычно халтурю и начинаю рисовать штрихи вместо точек, потому что после определенного момента человеческий глаз больше не может различать отдельные точки. Плюс это сэкономит вам много времени. Теперь вы должны иметь градации от белого до черного.

Поздравляю! Вы только что сделали вашу собственную шкалу цвета.

Композиционный центр.

Как уже отмечалось, в картине все должно быть подчинено выражению основной мысли, идеи. Цельность композиции зависит от подчиненности второстепенного главному, увязки всего изображения в единый организм произведения. Каждая деталь должна что-то добавлять для развития замысла. Второстепенное, малозначительное в композиции не должно бросаться в глаза, должен быть выделен основной объект.

В этюде это может быть дерево пи опушке, уходящая вдаль дорожка или человек на фоне леса. Если картина представляет пестрый набор равнозначных объектов, пятен, контрастов, она теряет свою композиционную выразительность. Основному объекту изображения надо найти наилучшее место в картине, изобразить его наиболее внимательно и подробно.

Главный действующий объект обычно размещается на картине вблизи его оптического центра. Это позволяет зрительно охватывать взором всю картину сразу и воспринимать содержание на большом расстоянии.

Наше зрение так устроено, что когда мы смотрим на окружающую нас действительность, то всегда выделяем из рассматриваемой группы такой объект, который привлекает наше внимание. Он находится в центре поля зрения, и его мы видим с подробностями и четко

Остальные предметы, находящиеся в поле зрения вне зрительного центра, воспринимаются обобщенно, без деталей. Получается так, что все предметы, окружающие главный рассматриваемый предмет, по своей заметности, значению как бы подчиняются главному и все, что попадает в поле зрения, воспринимается цельно и уравновешенно.

Композиционное построение картины во многом обусловливается этой спецификой зрительного восприятия. Чтобы изображение воспроизводилось правдиво, цельно, уравновешенно, в нем должен быть композиционный центр, которому обязаны подчиняться все другие элементы изображения. Следует вновь подчеркнуть: без подчинения всех элементов картины главному не может быть достигнута естественность зрительного впечатления от картины. Несколько равнозначных композиционных центров разрушат единство и целостность композиции. Она не будет отвечать специфике зрительного восприятия. Однако художник может иметь в картине два или несколько композиционных центров, если только это оправдано содержанием.

Последовательность восприятия картины должна соответствовать не только специфике зрительного восприятия, но и логике развития ее содержания. В картине И. Репина «Не ждали» прежде всего бросается в глаза фигура вошедшего. Восприняв центральный образ, глаз зрителя постепенно находит других персонажей, детали обстановки, способствующие раскрытию темы.

В картине П. Федотова «Сватовство майора» взор зрителя приковывается прежде всего к фигуре невесты, очаровывается ее женственностью и прекрасным живописным мастерством художника. Взгляд зрителя останавливается на фигуре матери, которая удерживает невесту за платье, затем на фигуре отца, свахи и, наконец, на самом герое сватовства. Верно найденные пропорции фигур и деталей, использование контрастов — все способствует восприятию логики происходящего события. Картина маленькая по своим размерам, но сюжет становится понятным сразу и на большом расстоянии.

Таким образом, цельность композиции зависит также от связи всех элементов произведения.

Выделение главного действующего лица в жанровой композиции достигается не только тем, что оно изображается в центре на видном месте, но и в самой технике письма

Второстепенные фигуры, или второплановые, пишутся более обобщенно, без живописных подробностей, чтобы они не отвлекали на себя слишком много внимания, не «забивали» главные образы, При таком выделении внимание зрителя сначала сосредоточивается на главном, затем на второстепенном, которое, как многие инструменты в оркестре, не мешает главному, а только аккомпанирует, помогает ему

Выделение композиционного центра и создание естественного зрительного впечатления в картине достигается также светотенью, величиной фигур, цветовыми сопоставлениями и расстоянием между фигурами. Художник может выделить главное в картине и цветом, и тоном, и заметностью деталей на нем.


С этим читают